NOTRE CONVERSATION EXCLUSIVE AVEC ERIC TERINO POUR LA SORTIE DE SON EXCEPTIONNEL ALBUM « INNOVATIONS OF GRAVE PERVERSITY »

Nous avons récemment eu le plaisir de rencontrer Eric Terino, un artiste qui fait de la musique mêlant une qualité intemporelle avec une touche avant-gardiste. Il vient de sortir son nouvel album exceptionnel « Innovations of Grave Perversity », qui a béni nos oreilles avec son univers artistique passionnant. Il s’agit d’un travail intrigant qui séduit par une réflexion profonde et contemplative.

« Innovations of Grave Perversity » est un savant mélange de soft-rock teinté de paysages sonores cinématographiques que l’on n’oserait étiqueter avec un langage conventionnel, tant il vous envoie dans un voyage musical inédit.

Eric Terino bouscule les conventions tout au long de cet opus de 8 titres tout en nous captivant par sa poésie mélancolique. Nous entrons dans « Innovations of Grave Perversity » avec « Felt », une ballade émotionnelle construite sur de magnifiques accords et avec une performance vocale chaleureuse qui vous donne un sentiment cosmique.

Terino sert sa signature unique tout au long du projet, mais parvient toujours à nous surprendre en cours de route. Avec des morceaux comme « An Augury Of Hope » ou « Body Gets Stoned », il explore des sonorités classiques et des arrangements dignes des plus grands. Des chansons comme celles-ci nous donnent l’impression de planer au-dessus de beaux paysages et dans des mers de pensées étranges.

« Innovations of Grave Perversity » termine sur le splendide « I Didn’t Live There », une chanson qui illustre la définition de la musique dans toute sa splendeur. Une fois de plus, la qualité rencontre la créativité pour offrir un moment hors de ce monde bercé par des violons, des paysages sonores envoûtants et des voix réconfortantes. Eric Terino vous laisse plein d’espoir, plein d’émotion et prouve que l’originalité existe toujours. Il fait partie de ces artistes qui honorent les traditions de l’histoire de la musique tout en étant capables de créer de nouveaux univers.

Nous avons été totalement émerveillés à l’écoute de l’album magique d’Eric Terino et il était normal que nous ayons une petite conversation avec lui. Nous étions curieux de connaître son inspiration et son processus créatif. Rendez-vous ci-dessous pour la lire ; et en attendant, plongez dans le monde étrange et magnifique des « Innovations of Grave Perversity ».

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« Innovations of Grave Perversity » est un titre très intrigant pour un disque. Pouvez-vous expliquer d’où cela vient?

Eh bien, je ne veux pas en dire trop parce que je pense que cela peut signifier différentes choses pour différentes personnes, ou même différentes choses à différents moments de votre vie. Mais je dirais qu’il est né d’une sorte de façon de dire « changements ». C’était le titre du disque à peu près depuis sa conception, et pendant l’écriture de l’album, il a trouvé sa place dans une chanson intitulée « Invocations », qui parle du deuil et de la façon dont nous gérons la mort d’êtres chers lorsque nous nous déplaçons, loin de ces pertes. J’ai toujours pensé que « Invocations » était le cœur du disque, c’est pourquoi il est niché au milieu de la tracklist et aussi pourquoi la phrase semblait si appropriée à cette chanson particulière. Il s’agit de construire un espace pour les souvenirs sans colère ni ressentiment, et ce concept a définitivement changé ma vie. Personnellement, cela a à voir avec un changement d’état d’esprit, une transition d’un lieu de découragement à un endroit de joie. Cela a été pour moi un changement très important.

En parlant de changements, cet album fait appel à de nouvelles saveurs instrumentales dont nous n’avons pas beaucoup entendu parlé dans vos enregistrements précédents, y compris ce goût our le cors, des arrangements à cordes, des textures ambiantes et même une scie musicale. Qu’est-ce qui vous a amené à ces découvertes alors que vous construisiez ces chansons ?

Oui! C’est une autre raison pour laquelle cette expression était si approprié pour ce projet. Ce n’était pas seulement un changement thématique, mais aussi sonore. J’avais fait deux albums avant l’album « Innovations of Grave Perversity », que j’avais enregistré entièrement par moi-même, et les deux étaient assez radicalement différents l’un de l’autre. Il est toujours important pour moi de faire de mon mieux pour continuer à évoluer et à explorer de nouveaux territoires musicaux. Donc, chaque fois que j’entreprends de faire un disque, l’importance de créer quelque chose de remarquablement différent est au premier plan de mon esprit.

Mon premier album (« Mountains of Nothing In Love ») était une sorte d’affaire très minimaliste/lo-fi/punk, et fortement influencée par la rage et le fait d’avoir raison de l’impact d’un traumatisme. Pour mon deuxième album (« Champagne and Childhood Hunger »), j’étais intéressé à jouer avec des structures non conventionnelles et à travailler avec des sons manipulés. Tout ce disque utilisait une petite instrumentation électronique qui était ensuite déformée ou amplifiée pour créer une sensation surréaliste, presque shoegaze. Ces chansons ont également été profondément marquées par le traumatisme que j’avais vécu quelques années auparavant lorsque j’ai créé « Mountains of Nothing In Love », j’avais encore beaucoup à traiter avant de pouvoir ressentir un semblant d’espoir.

Ainsi, lorsque j’ai commencé le processus de création d' »Innovations of Grave Perversity », j’ai instinctivement senti que ce projet consistait à m’ouvrir et à établir des liens avec un monde que j’avais autrefois pensé si froid et peu accueillant. Il me semblait naturellement sentir les choses s’élever, un sentiment de paix qui me disait qu’il n’était plus juste de m’enfermer, artistiquement ou dans ma vie personnelle. Donc, non seulement j’ai décidé que ce disque serait composé de sons complètement naturels sans aucune influence électronique, mais aussi que j’avais besoin de tendre la main à d’autres musiciens pour que nous puissions construire ce truc ensemble. Ce fut vraiment l’une des expériences les plus enrichissantes que j’aie jamais vécues, et je suis très reconnaissant envers tous les incroyables musiciens et amis qui ont aidé à donner vie à ces chansons.

Il est intéressant que vous mentionniez l’impact des traumatismes personnels sur vos disques, car la pochette de votre album fait un clin d’œil à l’histoire de l’art et aux styles de peinture souvent associés à des artistes qui ont vécu des vies particulièrement sombres ou compliquées. Ressentez-vous un lien avec ce genre d’artistes ? Et « peignez-vous » votre musique de la même manière que d’autres pourraient créer des œuvres sur une toile ?

Certainement, il y a un parallèle intentionnel entre la pochette de l’album et le travail des artistes que vous avez mentionnés. Quelqu’un m’a décrit un jour comme ayant « une vie colorée », ce qui me fait toujours rire. Je ne me considère pas vraiment de cette façon, mais je suppose que c’est vrai. Je n’ai certainement pas eu une existence conventionnelle, et cela a parfois été extrêmement douloureux. Donc, je me connecte définitivement avec ce domaine d’expression sombre et compliqué.

L’idée derrière l’œuvre « Innovations of Grave Perversity » était qu’il y avait cette silhouette émergeant de l’ombre et entrant lentement dans la lumière. Ce portrait de couverture représente quelqu’un qui fait enfin surface de l’autre côté d’une période incroyablement sombre et troublée avec un sens renouvelé des possibilités. Mais tout joue en soi, c’est pourquoi faire des disques est si gratifiant pour moi. Il y a tellement de médiums différents impliqués en dehors de l’écriture et de l’enregistrement des chansons. Vous travaillez avec la peinture, la photographie, le cinéma, le design, la liste est longue. Je crois de tout cœur en l’album comme support viable pour une œuvre d’art. Dans mon esprit, il n’y a aucune différence entre « Nightmare » de Fuseli et « Rid of Me » de PJ Harvey, ou « The Scream » et « Broken English » de Marianne Faithfull. Tout est tiré du même puits, ils utilisent simplement différentes méthodes de présentation.

Ce sentiment que le disque est une œuvre complète en soi ressort vraiment. De nos jours, il devient de rigueur pour les auditeurs de consommer de la musique un titre à la fois. Alors, qu’est-ce qui vous a amené à créer un album conceptuel complet au lieu d’opter pour la sortie de singles autonomes ou créations individuelles ?

Je pense qu’il est vraiment important qu’il y ait des gens qui maintiennent la tradition de l’album. Ce qui ne veut pas dire que je ne pense pas qu’il y ait du mérite à faire des singles autonomes et à travailler dans ce cadre. Mais je pense qu’à ce stade du développement de notre société, la durée d’attention vient d’être tellement réduite. C’est une réaction naturelle à ce qui nous entoure, tout défile si facilement et tout le monde essaie d’attirer votre attention en 2 ou 3 secondes. L’autre soir, je lisais une interview avec Yoko Ono d’il y a près de 60 ans, où elle expliquait comment elle pensait que personne n’avait plus la patience ou l’attention nécessaire pour lire une littérature entière et c’est pourquoi son livre « Grapefruit » consistait en ces brefs presque haïku -comme des passages étalés sur des mers d’espace blanc. Cela dure donc depuis longtemps, ce qui me donne vraiment un sentiment d’espoir.

Je ne crois pas que le format de l’album sera un jour « dépassé ». Il y a tellement de gens qui veulent encore passer du temps avec un long livre ou s’immerger dans le monde créé par un album. C’est magique d’avoir accès à tous ces mondes différents et de pouvoir y passer du temps. Je suppose que c’est la différence entre « art » et « divertissement », ce qui ne veut pas dire que ces deux mondes ne peuvent pas ou ne doivent pas entrer en collision. Je trouve juste que pour ce que je veux créer, la meilleure façon de le faire est de créer une image complète en plusieurs couches au format d’un album.

Un sentiment d’espoir et d’optimisme croissant se fait sentir au fur et à mesure que les chansons progressent sur ce disque. Pensez-vous que cette tendance se poursuivra alors que vous continuez à écrire et à enregistrer ? Avez-vous une idée de la façon dont cet album vous transportera dans de futurs projets ?

C’est tellement merveilleux d’entendre que vous pouvez le sentir! C’était vraiment l’intention. D’une certaine manière, c’est un véritable « album concept », où il commence en hiver à partir d’un lieu d’incertitude et d’aspiration à la sécurité intérieure, et passe au début du printemps avec un sentiment de foi restaurée et d’espoir pour l’avenir. Vous passez la majorité de l’enregistrement à faire votre chemin tout au long de l’hiver, et ce n’est qu’à « An Augury of Hope » que les choses commencent enfin à dégeler. Ensuite, il est suivi de « Body Gets Stoned », où si vous écoutez attentivement, vous pouvez réellement entendre des enregistrements d’oiseaux chanter alors qu’ils reviennent pour l’aube du printemps. J’ai essayé de travailler beaucoup de petites choses presque subliminales comme ça pour vous accompagner tout au long de ce voyage.

Mais oui, c’est aussi le travail le plus autobiographique que j’ai jamais fait et tout vient d’une expérience directe. Je sens que je suis de nouveau au printemps, et je pense que faire ce disque a joué un rôle important pour permettre que cela se produise. Alors maintenant, je fais de mon mieux chaque jour pour maintenir l’élan et diffuser une lumière positive sur tout ce que je peux. Qui sait ce que l’avenir nous réserve, mais je suis convaincu que les choses continueront d’évoluer. Que cela signifie un éternel sentiment d’optimisme, je ne peux pas le dire vraiment. Je veux dire, il serait insensé de penser qu’il fera toujours beau. Je suis donc très curieux de voir où je me situe quand il sera temps de commencer à travailler sur un autre album. Mais aujourd’hui, je suis tellement heureux et fier du travail que j’ai accompli sur ce disque et du fait que je sois arrivé à ce stade de mon parcours de vie. Ce fut un chemin étrange et changeant, mais cela m’a amené ici, et pour cela, je suis extrêmement reconnaissant.

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